ALEX COLVILLE
ALEX COLVILLE
DAVID ALEXANDER COLVILLE (Toronto, 1920 – Wolfville, Nova Scotia, 2013). Después de haberse graduado en Mount Allison (1938-1942) se incorporó a la armada y fue enviado a Europa como artista de guerra. Regresó a Canadá en 1945, estableciéndose en Ottawa, donde trabajó en las pinturas sobre los bocetos que había realizado durante la guerra. Enseñó en Mount Allison entre 1946 y 1963, año en que renunció para dedicarse a la pintura. Sus primeras exposiciones individuales tuvieron lugar en la Hewitt Gallery de Nueva york (1952 a 1955). En ese período la National Gallery de Canadá adquirió 7 de sus pinturas, y realizó exposiciones en nueva York y Toronto. Alex Colville experimentó con distintas técnicas pictóricas, cambiando del óleo a las resinas sintéticas y desde 1963, a emulsión de polímero acrílico. La primera retrospectiva de su obra tuvo lugar en la Art Gallery de Ontario, en 1983. En 1984 realizó una gran exposición en la National Gallery de Canadá. En 1966 representó a Canadá en la Bienal de Venecia. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de Berlín, Londres, Düsseldorf, Arnhem, Tokyo y Hong Kong, entre otros.
ALEXEJ  VON JAWLENSKY
ALEXEJ VON JAWLENSKY
Alexej von Jawlensky (Torzhok, Rusia, 1864 - Wiesbaden, 1941) fue un pintor ruso. Nació en una familia de origen aristócrata. Recibió algunos años instrucción militar en Moscú. Entre 1889 y 1896 estudió en la Academia de Arte de San Petersburgo. Allí conoció a la artista Marianne Von Werefkin, quien se convirtió en su pareja y promotora de su arte. En 1896 la pareja se trasladó a Munich donde junto a Wassily Kandinsky y otros artistas crearon la Asociación de Nuevos Artistas de Munich. En 1905 viajó a Francia, donde se familiarizó con la obra de Gauguin y Van Gogh. En 1908 y 1910 pasaron los veranos en los Alpes junto a Kandinsky y Gabriele Münter, intercambiando técnicas y profundizando en las bases teóricas de su arte. En 1912 se incorporó al grupo de pintores El Jinete Azul. En 1914 debido a la guerra se trasladó a Suiza, donde conoció a la artista Emmy Scheyer, quien le ayudó a promocionar su pintura en los Estados Unidos. En 1922 se mudó a Wiesbaden, con su nueva esposa Helene Nesnakomoff, con quien tuvo un hijo. En 1924, junto a Paul Klee, Lyonel Feininger y Wassily Kandinsky formaron el grupo Los cuatro Azules, cuyas obras se exhibieron en Alemania y los Estados Unidos.
ALICE NEEL
ALICE NEEL
Alice Neel (Pensilvania, 1900 – Nueva York, 1984) fue una pintora retratista estadounidense. Sus pinturas destacan por el uso expresionista de la línea y del color, profundidad psicológica e intensidad emocional. Aprendió en la Escuela de Dibujo de Filadelfia para Mujeres. Poco después de acabar sus estudios se casó en 1925 con el pintor cubano Carlos Enríquez, hijo de padres adinerados. Se trasladó a La Habana al año siguiente, donde abrazó la vanguardia cubana, aunque luego regresó a los EE. UU. Tuvo una hija, Santillana, que murió de difteria poco antes de cumplir su primer año. El trauma que le causó la muerte de su hija influyó en sus pinturas, estableciendo un precedente para los temas de la maternidad, la pérdida y la ansiedad que impregnaron su obra durante el resto de su carrera. Casi siempre pintó personajes locales. Su obra glorificaba la subversión y la sexualidad, representando escenas caprichosas de amantes y desnudos. A finales de 1933, fue contratada por la Works Progress Administration (WPA), que le dio un salario modesto. Comenzó a pintar a sus vecinos, particularmente mujeres y niños. En los años 40, Neel hizo ilustraciones para la publicación Masses & Mainstream, y siguió pintando retratos. Apareció en una película en 1959, cuando el director Robert Frank le pidió que apareciera junto a un joven Allen Ginsberg en su film Beatnik clásico, Pull My Daisy. Después de estar prácticamente desaparecida de las galerías durante los años cincuenta, y gran parte de los sesenta, a finales de esta década se intensificó el interés por la obra de Neel, convirtiéndose en un icono feminista. En 1970 Time Magazine le encargó a Neel que pintará un retrato de la activista feminista Kate Millett para su portada. Para mediados de los años setenta Neel ganó notoriedad y reconocimiento como una importante artista norteamericana. La Academia de las Artes y Letras la incluyó en 1976. En 1979 Jimmy Carter le presentó con el premio: "National Women's Caucus for Art". Su reconocimiento estaba en su punto más álgido en el año de su muerte, 1984. La obra y vida de Neel son sujetos del documental Alice Neel, que se estrenó en el Slamdance Film Festival de 2007.
AMEDEO BOCCHI
AMEDEO BOCCHI
Amedeo Bocchi (Parma, 1883 - 1976) fue un pintor italiano. A los 12 años ingresó en el Instituto Real de Bellas Artes de Parma, bajo la dirección de Cecrope Barill, graduándose en 1901. Continuó sus estudios en Roma en la Scuola del Nudo. En Roma se casó y nació su única hija, Bianca, quien fue modelo de muchos de sus cuadros. La esposa murió al año siguiente. En 1910 Bocchi participó con dos pinturas en la Bienal de Venecia. Se mudó a Padua, donde trabajo con Achille Casanova en la decoración de la Basílica de San Antonio. En 1915 comenzó a vivir y trabajar en la Villa Strohl Fern en Roma, bajo el patronazgo de Alfred Strohl. Permaneció allí por el resto de su vida. Su retrato de Bianca ganó el primer premio en la Exhibición de Monza. Fue nombrado académico de la Academia de San Lucas, en Roma. El Palacio San Vitale en Parma, perteneciente a la Fundación Monte Parma, alberga desde 1999 al Museo Amedeo Bocchi, centrado en su obra.
AMEDEO MODIGLIANI
AMEDEO MODIGLIANI
Amedeo Clemente Modigliani (Livorno, 1884-París 1920) nació en una familia judía sefardí en la ciudad italiana de Livorno, en la Toscana. Fue un pintor y escultor italiano, conocido por sus retratos y desnudos en un estilo que se caracterizaba por la estilización de los rostros y las figuras. Pasó su juventud en su país natal, donde estudió el arte de la antigüedad y el Renacimiento. A los catorce años de edad comenzó a asistir a clases de pintura con Guglielmo Micheli. Poco después de comenzar sus estudios de pintura, Amedeo sufrió un ataque de fiebre tifoidea y dos años más tarde una tuberculosis. En 1902 se inscribió en la Escuela libre del Desnudo, Scuola libera di Nudo, en Florencia y al año siguiente en el Instituto de las Artes de Venecia, ciudad en la que se movió por los bajos fondos. En 1906 se mudó a París. En el Bateau-Lavoir, Montmartre, conoce a Max Jacob, Van Dongen, Picasso, Guillaume Apollinaire, Diego Rivera, Chaïm Soutine, Vicente Huidobro y otros personajes célebres. Influido en principio por Toulouse-Lautrec, Amedeo encuentra inspiración en Paul Cézanne, el cubismo y la época azul de Picasso. También es evidente la influencia que ejercen sobre él Gustav Klimt y las estampas del japonés Utamaro. Su rapidez de ejecución le hace famoso. Su obra es profusa en pinturas y dibujos, si bien desde 1909 hasta 1914 se dedicó principalmente a la escultura. Durante su vida tuvo poco éxito y no fue sino posteriormente que su obra fue valorada. Murió a los treinta y cinco años de edad de una meningitis ocasionada por la tuberculosis.
AMELIA PELÁEZ
AMELIA PELÁEZ
Amelia Peláez (Yaguajay, 1896 - La Habana, 1968) fue una pintora cubana. Estudió en la Escuela Nacional de San Alejandro. Realizó su primera exposición en 1924 y 3 años más tarde viajó a estudiar a París, permaneció allí durante casi 7 años. Asistió a cursos en la Grande Chaumiere y tomó clases con la pintora, escenógrafa y decoradora rusa suprematista, Alexandra Exter. En 1933 presentó una exposición individual en la Galería Zak. Regresó a Cuba en 1934 y en 1935 una obra suya fue premiada en el Salón Nacional. Fue miembro fundador de la Asociación de Pintores y Escultores de Cuba, en 1949. En 1958 fue Jurado en la I Bienal Interamericana de Pintura y Grabado, realizada en el Museo Nacional de Artes Plásticas, México, D.F., México. 1961 fue Miembro Fundador de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba. Representó a su país en las Bienales de Venecia (1951) y Sao Paulo (1952). Entre los reconocimientos recibidos figura el Premio de Adquisición en el Salón Anual de Pintura, Escultura y Grabado, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, 1959; Salón Nacional, Museo Nacional de Bellas Artes, 1962 y 1964. Además de sus múltiples exposiciones en Cuba, la obra de Amelia Peláez ha sido expuesta en forma individual en París, Nueva York, Miami, Washington, Ciudad de México, Bogotá, Madrid, Palma de Mayorca. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas, entre ellas el Museo de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Pérez Art Museum de Miami. Es considerada pionera del modernismo en la pintura latinoamericana.
AMRITA SHER-GIL
AMRITA SHER-GIL
Amrita Sher-Gil (Budapest, Hungría 1913-Lahore, Pakistán, 1941) fue una pintora india. Era hija de un aristócrata punjabí sikh especialista en sánscrito y de una cantante de ópera húngara-judía. Es la única asiática que formó parte del Gran Salón de París. La parte más temprana de su infancia la pasó en la ciudad de Dunaharaszti en Hungría. En 1921 se mudó con su familia a Shimla, al norte de la India, donde comenzó a interesarse por el arte. A los tres años de residir en la India se mudó al lado de su madre a Italia, donde conoció más acerca de pintura clásica. En el año de 1927 regresó a vivir a la India donde su tío, el pintor húngaro Ervin Baktay. Dos años más tarde se trasladó a París para enrolarse en la Academia de la Grande Chaumière, donde fue alumna de Lucien Simon y Pierre Vaillana. Después ingresó a la Escuela de Bellas Artes de París. Su pintura temprana está inspirada en el realismo francés de los años 20 y 30, con influencia de la pintora Suzanne Valadon, principalmente por su representación de sujetos femeninos. En esa etapa Amrita Sher-Gil hace muchos autorretratos, desnudos femeninos y retratos de sus amistades en un estilo académico. En el año de 1934 regresó a la India y comenzó a desarrollar un estilo propio basada en las escenas callejeras que veía en su país natal, el cual recorrió y capturó en su pintura. Su pintura “Grupo de las tres chicas”, ganó la medalla de oro en la exposición anual de la Sociedad de Arte de Bombay en 1937. Ese mismo año regresó a Hungría, donde contrajo matrimonio con su primo Víctor Egan, con quien volvió a la India en 1939 estableciéndose en Saraya, y posteriormente en Lahore. De la última fase de su pintura, dijo: “Realicé mi verdadera misión artística, interpretar pictóricamente la vida de los indios y particularmente de los indios pobres, pintar esas imágenes mudas de infinita sumisión y paciencia, reproducir en el lienzo la impresión que esos ojos tristes me dejaron”. Poco antes de inaugurar su primera exposición individual, murió a los 29 años, repentinamente. La mayoría de sus obras se exhiben en el National Gallery of Modern Art de Nueva Delhi.
ANDREW WYETH
ANDREW WYETH
Andrew Wyeth ( Chadds Ford, Pensilvania, 1917 – 2009) Fue un pintor realista y regionalista estadounidense. Fue hijo del ilustrador y artista N. C. Wyeth, hermano del inventor Nathaniel Wyeth y de la artista Henriette Wyeth, y padre del artista Jamie Wyeth y Nicholas Wyeth. El tema principal de sus obras es la tierra y habitantes de su ciudad natal Chadds Ford, en Pensilvania, y de su casa de verano en Cushing, Maine. Admirado y querido como un héroe nacional por el público que veía en él al retratista de su vida, de sus paisajes. Eight Bells, su casa en Chadds Ford, fue el lugar de donde nunca se movió. Tomo del impresionismo los sentimientos y del realismo de Edward Hopper, el modelo para plasmar el modo de vida norteamericano. El mundo de Cristina, (1948), actualmente en la colección del Moma, en la que aparece una mujer arrastrándose hacia la casa lejana del acantilado, es su pintura más conocida. El paisaje retratado por Wyeth en el que se ve una granja, una colina y la torturada figura de una jovencita al pie de la colina, se convirtió en parte del vocabulario visual de Estados Unidos de la posguerra. Wyeth pintaba con pintura al temple, con técnicas casi de alquimista al modo de los pintores del Renacimiento. Aplicaba en tableros enyesados una combinación de pigmentos minerales molidos, yema de huevo y agua destilada. “Quería algo más intenso que la acuarela, un medio puro. Quería algo que pudiera masticar durante varios meses seguidos, algo en lo que pudiera sumergirme."
ÁNGEL ZÁRRAGA
ÁNGEL ZÁRRAGA
Ángel Zárraga Argüelles (Durango, 1886 – Cuernavaca 1946) fue un pintor mexicano, hijo de una familia acomodada. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Ciudad de México, donde trabó amistad con Diego Rivera. En 1904 partió a Francia, ingresando a la Escuela de Bellas Artes de París. Posteriormente estudia en la Real Academia de Bruselas y más tarde en España. En 1906 exhibe por primera vez en una colectiva en el Museo del Prado. En 1907 realiza su primera exposición en México, en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Entre 1909 y 1910, ya de regreso en Europa, su obra se expone en París, Nantes, Venecia y Lieja. Los próximos 35 años radicará en París. En 1919, a la edad de 28 años, es seleccionado por la junta directiva del Salón de Otoño de la capital francesa, como jurado calificador. En 1917 se encarga de los decorados de la obra Antonio y Cleopatra de William Shakespeare en el Teatro Antoine de París. Realizó también trabajos al fresco y encáustica, entre los que destaca la obra realizada en el Château de Vert-Cœur en Chevreuse, cerca de Versalles y en la Ciudad Internacional Universitaria de París; también decoró la embajada mexicana en París. En los años 40, a raíz de la Segunda Guerra Mundial regresó a México, donde pintó dos murales, en el Club de Banqueros y en la Catedral de Monterrey. En la ciudad de Durango existe el Museo de Arte Contemporáneo Angel Zárraga.
ANDY WARHOL
ANDY WARHOL
(Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, 1928 - Nueva York, 1987) fue un artista plástico estadounidense que llegó a ser el más icónico representante del pop art, corriente artística de las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas, teniendo su expresión más fuerte en los Estados Unidos. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación. Dicha evolución alcanzó su grado máximo de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell. El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos se convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática, Electric chair es una de sus obras más significativas.
ANTONIO BERNI
ANTONIO BERNI
Antonio Berni (Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981) fue un pintor, grabador y muralista argentino. Estudió pintura en el Centre Catalá de Rosario con los maestros Eugenio Fornells y Enrique Arian. En 1925 consiguió una beca para estudiar en Europa y en noviembre de ese año llegó a Madrid. En febrero de 1926, el Salón de Madrid expuso Puerta cerrada, un paisaje madrileño que llamó la atención. En París asistió a los cursos de los pintores franceses André Lhote y Othon Friesz, en la Academia libre de la calle Grande Chaumiere. Terminada la beca, volvió por unos meses a Rosario, pero al poco tiempo retornó a París. A fines del invierno de 1928 hizo una exposición individual en la Galería Nancy de Madrid. En 1928, conoció al escritor francés Louis Aragon y a André Breton, quienes lo acercaron al surrealismo. Para Berni el surrealismo «es una visión nueva del arte y del mundo, la corriente que representa a toda una juventud, su estado de ánimo, su situación interna, después de terminada la Primera Guerra Mundial. Era un movimiento dinámico y realmente representativo». En 1930, ya casado y con una hija decidió volver a Argentina. En 1934, comenzó a mostrar la problemática social de la década del 30 con sus obras Desocupados y Manifestación. Otros aspectos que retrató tienen que ver con la vida cotidiana, como por ejemplo en Primeros pasos de 1936. La obra ganó el Premio del Salón Nacional de Artes Plásticas de 1940 y es parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes. En 1981, se inauguró «La casa de Antonio Berni». Fue la sala de arte más importante del momento, en la cual se realizó una muestra individual de los murales del Gran Maestro. Unos días antes de su muerte, dijo en una entrevista: «El arte es una respuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura, es una forma de amor, de transmitir los años en arte».
ANTONIO SAURA
ANTONIO SAURA
Antonio Saura (Huesca, España, 1930 – Cuenca, España, 1998) fue un pintor y escritor español. Durante la Guerra Civil reside con su familia en Madrid, Valencia y Barcelona. Al final de la guerra, vive un año en Huesca y vuelve a Madrid. En 1943 enferma de tuberculosis, pasando cinco años de inmovilidad. De formación autodidacta, en 1947 empieza a pintar y escribir. Entre 1952 y 1955 pasa largas temporadas en París, frecuentando al círculo surrealista. Emplea entonces la técnica del grattage, adopta un estilo gestual y una pintura abstracta. En 1957 funda en Madrid el grupo El Paso, que dirigirá hasta su disolución en 1960. Conoce a Michel Tapié. Primera exposición individual en la galería de Rodolphe Stadler, en París, donde expondrá de forma constante a lo largo de toda su vida. Limita entonces su paleta a los negros, grises y marrones. Su obra entra en los principales museos de España. En 1967 se instala definitivamente en París; a partir de 1977 empieza a publicar sus escritos y realiza varias escenografías para el teatro, así como para el ballet y la ópera. En 1983 crea una serie de retratos titulada Dora Maar o Dora Maar visitada. Se han realizado retrospectivas de su obra en Galería Maeght de Barcelona (1975), Stedelijk Museum de Arte de Amsterdam (1979), Caja de la Inmaculada de Zaragoza (1981), Museo de Arte Moderno de LUGANO (1994), entre otras. Entre sus reconocimientos figura el premio Guggenheim (1960), Premio de la Primera Bienal de Grabado de Heidelberg (1979), Medalla de Oro de Bellas Artes (1982), Nombrado Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres, (1990), Premio Aragón de las Artes (1994).