AARON GILBERT
AARON GILBERT
Aaron Gilbert ( Altoona, Pensilvania, 1979) es un pintor estadounidense. Estudió en la Universidad de Penn State , en la Escuela de Diseño de Rhode Island y en la Escuela de Arte de Yale, obteniendo una maestría en 2008. Ha realizado exposiciones individuales en Dubai (Mottahedan Projects, 2014); Brooklin (Brooklin Biennial BRIC, 2016); Nueva York (Lyles & King, 2019), Miami (Lulu Gallery, 2019); Los Angeles, CA (Chris Charp Gallery. 2021) y Nueva York (P.P.O.W, 2021). En forma colectiva ha participado en exposiciones en Barcelona (2008), Berlín ( 2009), Nueva York (2010 al 2020), Praga (2013), Chicago (2014), Londres (2016), Bucarest (2019), Los Angeles, CA (2019), Cleveland, OH (2021). Entre los reconocimientos recibidos figura el Premio Louis Comfort de la Fundación Tifanny, 2015 y el Premio en Pintura de la Fundación Familia Rosenthal, 2010. Su obra forma parte de las colecciones permanentes del Brooklyn Museum of Art, Columbus Museum of Art, Rhode Island School of Design Museum, Studio Museum en Harlem y Whitney Museum of American Art. Aaron Gilbert reside en Brooklyn, Nueva York. Acerca de su proceso creativo ha dicho: “Siempre estoy interesado cuando algo me llama la atención y no estoy seguro de por qué es importante. Eso es lo más emocionante de escuchar y responder. Es en lo que tiendo a confiar más, cuando en realidad no entiendo por qué un momento en particular tiene valor. A veces puede ser una acción o interacción realmente pequeña que sucede, lo que parece significar todo; puede sentirse discordante o desconocido. Otras veces hago pequeños bocetos con un lápiz y la composición va saliendo a medida que voy dibujando; Solo sigo el camino. Siempre me interesó cómo trabajan los escritores, especialmente los escritores de ficción, y cómo construyen personajes y escenarios. Ese es un paralelo interesante para mí.” Refiriéndose a su técnica de pintar por capas, dice: “ Hay muchas capas en las pinturas y parte de eso tiene que ver con encontrar elementos narrativos y compositivos. Son quizás cinco o seis capas de pintura, y más que nada tiene que ver con tratar de hacer que todos los colores vibren de una manera que se sienta bien; obtener la luz correcta de una manera que sirva a la narrativa. Me encanta la idea del color en sí mismo como algo abstracto, donde literalmente estás congelando la frecuencia. La pintura emite una energía en la habitación para siempre después, y eso puede ser algo mágico. Es como un instrumento y lo afinas, y simplemente resuena. Está más allá del lenguaje.” (Elephant, 20 julio 2020).
ADRIAN GHENIE
ADRIAN GHENIE
Adrian Genie (Baia Mare, Rumania, 1977), vive y trabaja en Berlín. Estudió en la Universidad de Arte y Diseño, Clu, graduándose en 2001. Su trabajo se realiza en los límites entre lo abstracto y lo figurativo, con un método de construcción y deconstrucción de la imagen a partir del manejo de accidentes una y otra vez trabajados, pintando por capas, privilegiando la espátula por sobre el pincel. En 2015 representó a Rumania en la Bienal de Venecia. En los últimos años ha tenido exposiciones individuales en Villa Medici, Roma; CAC de Málaga; El Museo de Arte Contemporáneo, Denver; el Museo Nacional de Arte Contemporáneo , Bucarest. Su obra forma parte de colecciones como el Centro Pompidou, Paris; la Tate Modern, Londres; el Metropolitan Museum, Nueva York; San Francisco Museum of Modern Art, entre otros. En sus temas figuran las referencias a personajes históricos que de una manera u otra han causado convulsiones o cambios en la sociedad. De su trabajo ha dicho: “Estoy interesado en la historia vinculada a la figura humana. Un cierto tipo de deconstrucción me interesa, de la misma manera que interesaba a Bacon o a Picasso”: “ Mi trabajo es como un sueño jungeano, que no es necesariamente bueno o malo, simplemente es. No estoy investigando el lado obscuro de la historia. Estoy interesado en paradojas dentro de la historia. Así, me sumerjo en un subconsciente colectivo que ya existe y que es extraño y paradójico, sin una dirección clara.”
ADRIANA VAREJÃO
ADRIANA VAREJÃO
Adriana Varejão nació en Río de Janeiro. Entre 1981 e 1985 asistió a cursos libres en la Escuela de Artes Visuales de Parque Lague. Es una de las artistas brasileñas de mayor renombre en el panorama del arte contemporáneo internacional, con obras en las colecciones de instituciones como el Museo Guggenheim (NY), Tate Modern (Londres), Fondation Cartier (París), Fundación la Caixa (Barcelona) e Inhotim Centro de Arte Contemporáneo (Brumadinho). Ha participado en casi cien exposiciones entre individuales, destacándose entre ellas el Centro Cultural de Belén, Lisboa (2005), Hara Museum, Tokio (2007), Fondation Cartier, París (2005); y colectivas, entre las cuáles se destacan la Bienal de Sao Pauilo (1994, 1998); Bienal de La Habana (1994); Bienal de Sydney (2000); las Bienales de Estambul (2011), Bucarest (2008), Liverpool (2006), Mercosur (2005), Praga (2003), Johannesburgo, África del Sur (1995) y San Pablo (1994 y 1998). Participó del Panorama da Arte Brasilero en 2003 en el MAM, con curaduría de Gerardo Mosquera. De su trabajo ha dicho: “Por lo general, extraigo imágenes de la historia del arte. Los que solían ser grabados, mapas, exvotos, platos, cerámicas, esculturas, pasan a ser pinturas, soporte que es mi filtro y denominador. Mi método es operar una migración de imágenes para reescribir críticamente la historia. Las imágenes son retomadas para pervertir su modelo”.
ALESSANDRO TOFANELLI
ALESSANDRO TOFANELLI
Alessandro Tofanelli nació en Viareggio, Italia, en 1959. Estudió en el Instituto de las Artes en Lucca y en la Academia de Bellas Artes de Brera. En 1975 ganó el Primer Premio por su trabajo 'La Resistenza' que se exhibió en la Galería de Arte Moderno de Lucca, y también ganó el premio en el "Concurso de Ina-Touring" en el Palace en Florencia donde fue reconocido como el joven artista italiano más prometedor. En 1984 Tofanelli pasó a ganar el premio Giotto d'Oro muy codiciado y en 1987 ganó el "Mejor Pintor menor de 35 años de edad", el Premio Onda Verde de Florencia, y el premio Mediterráneo Ibla. Desde 1977 ha expuesto su obra en diversas galerías de prestigio en Italia y en el extranjero. Él siempre ha combinado su pintura con su trabajo como fotógrafo profesional y documentalista de vídeo, muchos transmitidos en la red italiana RAI. Fue homenajeado en el Festival de Cine de San Francisco en 2005 por su premiada película, Unnatural (Contronatura). En cuanto a su pintura, Tofanelli afirmó que quiere investigar la relación entre el tiempo y la memoria, y para hacerlo correctamente ha elegido el paisaje - su tema favorito. Paisaje, para él, es un punto de observación privilegiado para contemplar el paso del tiempo, así como para colocar recuerdos de lugares. Entre sus exposiciones se cuentan: Galería de Arte Contemporáneo de Arezzo, 1983; Internacional de Arte Contemporáneo de Milán, 1986; Galleria Visto en Londres; La Galería de medusas en Nueva York; Feria de Arte Internacional en Estambul, 1995; Halex Ho Galería en Hong Kong, 1997; Trade Center en Singapur, 1998; Rutzmoser Galería de Arte en Munich, 1999; Albemarle Gallery de Londres; Himmelberger Gallery en San Francisco, 2007; Himmelberger Gallery (Mi Tierra), 2008.
ALEX KANEVSKY
ALEX KANEVSKY
Alex Kanevsky (Rostov – na- Donu, Rusia, 1963) es un pintor ruso radicado en Pensilvania. A los 15 años se mudó con su familia a Vilnius, Lituania. A comienzos de los 80 se mudó a los EEUU, radicándose en Filadelfia. Allí comenzó sus clases de pintura en la Academia de Bellas Artes. En 1997, Kanevsky ganó la Beca Pew en las Artes, que le permitió pintar constantemente durante dos años. Desde entonces, Kanevsky ha expuesto su obra en Estados Unidos, Canadá, Italia, Reino Unido, Francia e Irlanda. Ha realizado más de veinte exposiciones individuales y ha sido incluido en más de quince exposiciones colectivas. De 2002 a 2017, Kanevsky fue profesor adjunto de pintura en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia. En 2012, actuó como jurado de la 71ª Exposición Anual con Jurado en el Woodmere Art Museum, Filadelfia. De su pintura ha dicho: “Las pinturas nos permiten saber cuándo dejarlas en paz. Los artistas a menudo pasan por alto estas señales, pues están tan concentrados en imponer su voluntad. No pienso en la pintura como algo que le hago a un lienzo. Para mí es una complicada relación de iguales. Una forma de conflicto. Cuando llegamos a algún tipo de acuerdo que satisfaga a todos, es el buen momento para dejarlo en paz.” (Painting Perceptions, 31 junio 2012).
ALEX KATZ
ALEX KATZ
Alex Katz (Nueva York,1927) es un pintor estadounidense. Proviene de familia hebrea de origen ruso, de padre comerciante y madre actriz de teatro. Comenzó sus estudios de Arte en la Woodrow Wilson Vocational High School de Queens (Nueva York). Realizó el servicio militar durante la Segunda Guerra Mundial, y en 1946 ingresó en la Cooper Union School of Art and Architecture. Es considerado precursor del Pop norteamericano. Sus retratos de primer plano en cuadros de gran formato, en colores planos y líneas sintéticas, son característicos de su pintura. Después de su primera exposición individual en la Galería Roko de Nueva York en 1954, comenzó a trabajar en dibujos y collages pasando a retratos en 1957 y a pinturas de gran tamaño en 1962. Su primera exposición retrospectiva se llevó a cabo en el Museo de Bellas Artes de Utah. Después de eso, mostró regularmente en museos y galerías estadounidenses. En 1986, el Whitney Museum of American Art mostró una retrospectiva a gran escala y en 1997 el PS1 Museum de Nueva York organizó la exposición Alex Katz Under the Stars: American Landscapes 1951-1995. En 1995, el Museo de Baden Baden en Alemania presentó una exposición titulada Alex Katz. American Landscapes y en 1996 el Museo IVAM de Valencia, España, organizó una retrospectiva de sus obras. En 1998, Saatchi Gallery de Londres mostró a Alex Katz. Veinticinco años de pintura. En 2002, la Kunsthalle Bonn realizó una retrospectiva, mientras que la Kunsthalle de Hamburgo mostró sus Cut-Outs. En 1999 la Galleria Civica de Trento organizó su primera exposición individual en un museo italiano, y en el verano de 2003 la Fondazione Bevilacqua La Masa de Venecia mostró una selección de sus retratos. En 2005 EXPUSO EN Galería Albertina, Viena y en 2007 en la Irish Gallery of Modern Art, Dublín. El artista está ampliamente representado en museos en los EE. UU., Incluidos el Museo de Arte Moderno, el Metropolitan y el Whitney en Nueva York, así como en algunos museos europeos, como Tate Modern en Londres y el MMK en Frankfurt. De su pintura ha dicho: “Cuando trabajas con la tradición del arte, normalmente estás pintando como los cuadros que has visto; tu visión es la visión de otras personas. Ves las cosas a través de la cultura en la que vives, y la cultura en la que vives siempre está en tiempo pasado. Algunas personas siempre ven cosas en otro período de tiempo. Para ver las cosas en el período de tiempo presente, tienes que abrirte paso, y eso es lo que he estado tratando de hacer.”
ALFONSO ALBACETE
ALFONSO ALBACETE
Alfonso Albacete (Antequera, Málaga, 1950) es un pintor español. Nacido en Antequera, se trasladó con su familia a Murcia, donde fue discípulo del pintor Juan Bonafé. Sus primeras exposiciones individuales tuvieron lugar a principios de los años setenta en Murcia, Madrid, Sevilla y Valencia. Asistió al Círculo de Bellas Artes de Valencia, prosiguiendo sus estudios en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid. En 1977, con la carrera terminada, retomó en plenitud la pintura y en 1979 realizó en la galería Egam de Madrid una exposición individual que le dio a conocer en el panorama artístico español. En 1982 expone en la Galería Marlborough, también en Madrid. Su primera gran exposición en espacios museísticos tuvo lugar en el desaparecido Museo Español de Arte Contemporáneo. En 2018 se realizó la primera retrospectiva de su obra, en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, con el título: “Alfonso Albacete: las razones dela pintura”. Su obra forma parte de las siguientes colecciones: Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca; Museo Reina Sofía, Madrid; Colección de la Casa Blanca, Washington; Banco de España, Madrid; Colección Blanca Lambert, Bruselas; Colección Dobe, Zurich; Mie Prefetural Art Museum, Mie, Japón; Museo Wurth, Alemania; Chase Manhattan Bank, Nueva York; Colección Corredera, Sevilla, entre otros.
ANDRÉS GANA
ANDRÉS GANA
Andrés Gana (Santiago, Chile, 1950) es un pintor chileno. Estudió en la Escuela de Arte de la Universidad de Chile entre 1968 y 1976, obteniendo la licenciatura en Artes Plásticas. En 1979 viajó a España, Italia y Francia, radicándose en París hasta los años 90. En 2012 el Museo Nacional de Bellas Artes (Santiago, Chile) realiza una gran retrospectiva de su pintura. Entre sus exposiciones individuales figuran Galería Bellavista, Santiago de Chile, 1977; Centro Cultural de Yerres, Francia, 1981; Galerie La Canaille, París, 1981; Galerie Ambroise, París, 1982; Galería Vendemmia, Berlín, 1985; Galería el Patio, Bremen, Alemania, 1986; Sala Mise en Scene, Versalles, Francia; Galería Arte Actual, Santiago, Chile, 1991; Galería Cecilia Palma, Santiago, Chile, 2007. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile, 2012; Universidad Católica de Temuco, Temuco, 2013; HCE Studio Galerie, Saint Denis, Francia, 2014; Maison du Chili, Paris, Francia, 2014; Galería Aquí, Bellavista, Santiago, 2018. En 1978 obtuvo la beca Amigos del Arte; en 1994 ganó el concurso de Fondart con el proyecto “Pintura en defensa de un querido litoral”; en 2000 fue seleccionado por Sony Music para la Colección Chilenísimo.
ANDREY REMNEV
ANDREY REMNEV
Andrey Remnev (1962, Yakhroma, Rusia) es un artista ruso, graduado de la Escuela de Arte de Moscú en 1983. Su técnica está basada en una combinación de los métodos utilizados en la antigua pintura de íconos, el arte ruso del siglo XVIII y el Constructivismo. Remnev utiliza pigmentos naturales mezclados con yema de huevo. Su obra, altamente decorativa, remite al simbolismo. Su pintura ha sido exhibida en las ciudades de Moscu, Ryazan, Sergiev Posad, Dmitrov, La Haya, Trenton, Roma. Es profesor en el Instituto de Arte Surikov, Moscú, y miembro honorario de la Academia Internacional de Cultura y Arte. De su obra ha dicho: «Descubro muchas técnicas en las obras de los antiguos maestros, que encuentro más avanzadas que las utilizadas hoy por los artistas. Aprendo la delicadeza del dibujo de los griegos antiguos, tomo la originalidad y la brusquedad de la composición de los maestros japoneses del grabado. En el color me inspiran los artistas del Trecento y Quattrocento italiano, los grandes venecianos y la pintura holandesa del siglo XVII. Me interesa mucho el arte ruso del siglo XVIII. Tomo la rapidez y la fuerza de la composición del icono ruso y del constructivismo ruso de los años veinte. Cuando encuentro la idea de mi pintura, comienzo a mirar otros artistas que mencioné antes. Compruebo la exactitud de mi idea comparándola con los otros artistas.»
ANIA HOBSON
ANIA HOBSON
Joven artista inglesa, estudió en el Princes Drawing School en Londres, y en la Academia de arte de Florencia. Su trabajo es exhibido en Londres e internacionalmente; en 2019 ganó el premio al artista joven en la British Portrait Award. En 2019 exhibió también en Venecia en la Fundación GAA (evento colateral a la bienal de Venecia). Su pintura se centra en el retrato desde una perspectiva no convencional, aérea, en la que busca potenciar la figura femenina. Pinta principalmente a gentes cercanas de su entorno. En su tratamiento de la piel y perspectiva se aprecia la influencia de Lucian Freud, y en su temática la de la pintora norteamericana Alice Neel.
ANSELM KIEFER
ANSELM KIEFER
Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945) es un pintor y escultor alemán adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80. Estudió artes plásticas en Friburgo de Brisgovia, en Karlsruhe y en Düsseldorf, donde fue alumno de Joseph Beuys. Sus primeras realizaciones se centraron en el terreno de la instalación y el happening, pasando a la pintura en los años 70. En 1969 presentó su primera exposición individual con la serie de pinturas Ocupaciones, en Karlsruhe. Ha expuesto en la Documenta de Kassel (1977, 1982 y 1987), las Bienales de Venecia (1980) y París (1985) y en la Städtische Kunsthalle de Düsseldorf (1984), y tiene una importante colección en el Museo Guggenheim de Bilbao (1990). Famoso sobre todo por sus pinturas matéricas, en su obra afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo. Para pintar el cuadro Margarethe, por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, (Fuga de muerte) escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración. En sus obras fusiona la pintura, la escultura y la fotografía, mediante técnicas como el collage o el assemblage en una gama cromática casi monocroma, mezclando materiales como alquitrán, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas. También utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar, como en El orden de los ángeles (1983) y Tumba en los aires (1986). A comienzos de los años 90 comienza a inspirarse en temas más universales, igualmente basados en la religión, la simbología, la mitología y la historia, pero centrándose más en el destino global del arte y de la cultura, así como en la espiritualidad y la mente humana. Desde 1993 Kiefer vive y trabaja en Barjac, un pequeño pueblo francés cerca de Aviñón, donde ha creado un laboratorio artístico que le permite conjugar ideas y materiales, transformándolos en nuevas experiencias artísticas.
ANTONIO LOPEZ GARCIA
ANTONIO LOPEZ GARCIA
Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español. En 1949 se trasladó a Madrid e ingresó a la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidió con diversos artistas, como Enrique Gran, Amalia Avia y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar «Escuela madrileña». En 1955, becado por el Ministerio de Educación, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Tras terminar sus estudios, realizó sus primeras exposiciones individuales en 1957 y 1961 en Madrid, mientras trabajaba tanto en esta ciudad como en la localidad que lo vio nacer. Hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En 1990, el director de cine Víctor Erice rodó El sol del membrillo, donde se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa. En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando, y en ese mismo año el Museo Reina Sofía le dedicó una exposición antológica. En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le dedicó una exposición monográfica. En 2011, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo de Bellas Artes de Bilbao le dedicaron sendas exposiciones temporales con obras de todas sus etapas, aunque mayoritariamente de su última producción. En el año 2014 creó una gran expectación la entrega y presentación de uno de sus cuadros más ambiciosos, La familia de Juan Carlos I, cuya realización le llevó veinte años. Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades: con estas palabras Antonio López resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una realización lenta y meditada, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del cuadro en el lienzo.